Quoi qu'on en puisse écrire et dire, soit avec des dépliants touristiques, des guides prétendument informés ou des expositions de banlieue, jamais une "École de Barbizon" n'exista.
Ce qui marqua son époque et, durablement, l'art plastique fut une "Résidence de Barbizon".
Cette résidence s'inscrit au sein d'une histoire générale de la circulation européenne des arts et lettres, depuis l'aube des "Temps modernes"(1453), dans une évolution des techniques graphiques qui débuta au XVIIIème siècle et dans les circonstances politico-économiques propres au premier tiers du XIXème siècle.
Il est certain qu'en cette résidence se façonna une part importante de ce qui est, aujourd'hui encore, notre "goût" ; le meilleur et le bon, comme le mauvais et le pire (si l'excellent est fragile, l'épouvantable est opiniâtre).
Ce peintres français et du monde qui séjournèrent à Chailly-en-Bière, puis à Barbizon sont de ces hommes qui contribuèrent à faire de Paris de 1816 jusqu'en 1939, la "capitale du monde" (P; Higonnet - ed: Harvard university - 2005).
L'objet de ce chapitre est de présenter, très succinctement, les trois domaines, énoncés ci-avant (art - technique -social) sans lesquels Barbizon reste plus un hasard ou un mystère qu'une réalité humaine.
Le lecteur instruit, ou simplement pressé, peut se rendre directement au chapitre suivant, "la villégiature de Barbizon"
Georges Michel (1763 - 1843) -Arbre coupé par le travers d'une route en forêt-
Adolphe Hervier (1878 - 1879)
-Rue de village, Barbizon-
Histoire de la représentation du paysage dans l'art d'occident
Un genre délaissé
Dans l’histoire de la peinture occidentale, le paysage a longtemps fait figure de parent pauvre. Si la peinture de paysage commence en Flandre au XVe siècle, le mot n’apparaît pas avant la Renaissance ; il faut attendre le XVIIe siècle pour que le paysage devienne un sujet autonome, mais, dans la hiérarchie des genres picturaux il occupe une place bien modeste.
À contrario, depuis la nuit des temps, la peinture et le dessin coréens, la peinture chinoise qui en fait le genre « montagne et eau », puis l'art japonais, plaçent le paysage au premier rang de leurs modes d'expressions (La notion de genre, telle que nous l'entendons, est étrangère à ces civilisations).
Ce genre, si longtemps délaissé en occident, connaîtra une éclatante explosion au XIXe siècle, il deviendra pour un temps le thème favori de bien des peintres. Les artistes contemporains le pratiquent encore. Un court rappel historique est nécessaire.
Antiquité et moyen-âge : Peut-on parler d'un art du paysage ?
Si on retient les sens de "paysage" énoncés par un dictionnaire simple et populaire comme le Petit Robert :
1°) Partie d’un pays, étendue de terre que la nature présente à l’observateur.
2°) Figuration picturale ou graphique d’une étendue de pays où la nature tient le premier rôle et où les figures (d’hommes, d’animaux) et les constructions (fabriques) sont accessoires.
Le paysage indépendant n’existe ni dans l’Antiquité, ni pendant la plus grande part du Moyen-Âge. Augustin Berque emploie, justement l’expression de « proto-paysage » qu’on peut lui emprunter.
Les protos paysages antiques
Si la nature n’est pas le sujet principal des peintures et sculptures antiques, elle n’en est cependant pas absente.
L’art égyptien nous présente, sur les parois des tombes, des paysages nilotiques cadres de la vie quotidienne des humbles et des grands.
La peinture gréco¬romaine est presque entièrement perdue, cependant les demeures de Pompéi, Herculanum, Oplontis sont ornées de peintures murales. Le plus souvent, ce sont des scènes mythologiques avec en arrière-plans des paysages.
Les mosaïques très colorées des IIIe et IVe siècles ap. J-C. ont aussi des éléments paysagés, parfois exotiques (chasse au lion, etc.) dénotant d'un goût certain pour l'étrange, sorte d'orientalisme.
La sculpture fait aussi une place, modeste il est vrai, au paysage :
Ainsi, la colonne Trajane romaine montre des légionnaires aux rives du Danube (IIe s. ap. J-C.) et sur des sarcophages de l’Antiquité tardive (IIIe – Ve s. ap. J-C.), le cadre naturel est indiqué.
Ces exemples témoignent l’intérêt que l'Antiquité portaient à son environnement car "l’homme est né pour contempler le monde" ? (Cicero -De natura deorum II, 39-).
Les protos paysages médiévaux
Lorsque s'installe le Christianisme, un changement complet se produit, car l'homme a été créé pour louer Dieu.
Quasi tout du long du Moyen-Âge, les images et les formes sont chargées d'instruire des messages des fables bibliques
Les peintres et les tailleurs de pierre ne se préoccupent pas du monde visible mais développent un programme eschatologique. Les quelques éléments naturels, arbre, montagne, ciel étoilé, des chapiteaux historiés ou des fresques romanes sont là comme symboles ou purs ornements.
Le démon à sept têtes précipité aux enfers, vers 1230 (Trinity college -Cambridge-)
Les sensibilités évoluent et l’art gothique se fait plus naturaliste, lors des deux derniers siècles du Moyen Âge soumis à l'influence franciscaine. Francois d’Assise (±1181 – 1226) prêchant un amour de la nature ne détournant pas de celui du Christ, au contraire menant à lui par sa création. Giotto, peignant la vie du Poverello sur les murs de l’église supérieure d’Assise, introduit la représentation de la nature toscane.
Le naturalisme gothique conquiert vite l'Europe Chrétienne. Il marque autant la sculpture que la peinture.
Guillaume de Machaut (±1300-1377) reçoit la nature - B.N.
Ces paraboles, ces oraisons, peintes ou simplements dessinées, devenus faits constants de l'art Chrétien, seront toujours des motifs pour un artiste tel que Jean-François Millet au-delà de contextes sociaux et techniques totalement différents.
Jean-François Millet La fuite en Égypte -Dijon-
La naissance du paysage
Au XVième siècle les flamands
Le paysage, proprement dit, nait avec les enluminures des peintres de l’Europe du Nord et particulièrement des Flamands. Dans les "Très Riches heures du Duc de Berry", enluminures créées entre 1413 et 1416, les "frères de Limbourg" illustrent les mois de l’an avec le château princier placé dans son paysage et, au premier plan, les travaux agricoles du moment ; ils prennent un soin minutieux à rendre les lumières selon les mois.
Guillaume de Machaut (±1300-1377) reçoit la nature - B.N.
Le paysage apparaît aussi dans les enluminures des frères Van Eyck ainsi que dans leurs tableaux. Dans la Vierge au Chancelier Rollin (ci-dessous), Jan Van Eyck (1390 – 1441) applique le principe énoncé par Alberti, « Je trace un rectangle de la taille qui me plaît et j’imagine que c’est une fenêtre ouverte par laquelle je regarde tout ce qui y sera représenté ». La Vierge, l’Enfant et le Chancelier sont placés dans une loggia qui s’ouvre, au centre du tableau, sur un paysage à la fois rural et urbain, synthèse des riches Etats du Duc de Bourgogne. La perspective géométrique y est encore empirique,
La Vierge au Chancelier Rollin Van Eyck
Adoration de l'agneau. Van Eyck
Il en va de même dans les enluminures de Jean Fouquet.
Conversation entre St. Gontran et St. Childebert II. Jean Fouquet
Le Decameron Jean Fouquet
En Italie, la perspective géométrique est utilisée depuis Brunelleschi (vers 1420).
Le cortège des mages Benozzo Gozzoli 1459
Alors que Paris et l'île de France furent le centre moteur de l'art gothique, à compter du XVème siècle se developpe un nouvel arc culturel, s'appuyant sur les états italiens et le grand duché de Bourgogne. Entre Flandre et Italie les échanges sont fréquents, les marchands et les artistes voyagent, ainsi Van Eyck et Fouquet séjournèrent à Rome.
On peut considérer que le développement de la peinture de paysage au XVe siècle résulte de recherches parallèles et concomitantes du domaine septentrional et d'Italie. Avignon, en position médiane, abritant alors la cour pontificale est un des principaux lieux d’échanges artistiques.
reproductions de filippino lippi et de lorenzo lotto
Des mots pour signifier
On peutconsidérer que la peinture de paysage est apparue avant le vocable. Celui-ci aurait été utilisé pour la première fois en 1493 par un poète valenciennois Jean Molinet. Le mot "landskap" naquit aux Pays-Bas à la fin du XVe siècle. A travers ses dessins, ses tableaux (La Joconde, La Vierge, sainte Anne et l’enfant Jésus…) ses écrits (Trattato della pittura), Léonard de Vinci (1452 – 1519) témoigna d’un grand intérêt pour le paysage. Mais le mot paesaggio, n’apparaît qu’en 1568 sous la plume de Vasari dans la deuxième édition de ses biographies d’artistes, ce mot est probablement d’origine française.
Dans la France du XVIIe siècle, fille aînée de l’Eglise et modèle de la monarchie absolue, le paysage ne pouvait pas connaître la même fortune que dans les bourgeoises Provinces-Unies. Les « grands genres » sont la peinture religieuse et la peinture d’histoire. D’ailleurs, l’Académie Royale créée en 1648, va édicter, sous la plume de son secrétaire André Félibien (1619 – 1695) une stricte hiérarchie des genres picturaux : « Celui qui fait parfaitement des paysages est au-dessus d’un autre qui ne fait que des fruits, des fleurs ou des coquilles … [mais] … comme la figure de l’homme est le plus parfait ouvrage de Dieu sur la terre, il est certain aussi que celui qui se rend l’imitateur de Dieu en peignant des figures humaines est beaucoup plus excellent que tous les autres. »4 C’est donc la reconnaissance du paysage, mais comme un genre mineur, juste avant la nature morte. Le grand peintre est celui qui traite de grands sujets (on peut établir un parallèle avec la littérature : le grand écrivain est celui qui compose des tragédies respectant la règle des trois unités). Le voyage en Italie fait partie de la formation des peintres ; à partir de 1666, la création de l’Académie de France à Rome facilitera les séjours des artistes français. Mais il n’est pas question d’aller peindre en plein air la campagne romaine : à partir de croquis, de souvenirs, l’artiste recompose en atelier un paysage amélioré, un « paysage idéal », avec références bibliques ou mythologiques. C’est ainsi que procèdent Nicolas Poussin (1594 – 1665) pour ses admirables paysages des Quatre Saisons et Claude Gellée, dit Le Lorrain (1715 – 1759) pour ses paysages imaginaires baignés d’une douce lumière.
le vedutisme
A la fin du XVIIe siècle et au début du XVIIIe siècle, se développe en Italie un genre particulier de paysage, essentiellement urbain, contemporain, d’une grande exactitude topographique, la « veduta » (vue, en italien). Ces vues, fidèles à la perception optique de la réalité, sont souvent réalisées à l’aide d’instruments, en particulier la « camera oscura » (chambre noire). Dans le développement du « vedutisme », les peintres nordiques italianisés ont joué un grand rôle, en particulier le Hollandais Gaspar Van Wittel – dit Vanvitelli – (1653 – 1736), qui serait l’inventeur du format « Paysage » deux fois plus large que haut. Au musée des Augustins, le vedutisme est bien représenté par une Vue de la place Saint-Pierre à Rome de Vanvitelli et par Le Pont du Rialto de Francesco Guardi (1712 – 1793) ; en effet, si le vedutisme s’est d’abord développé à Rome, c’est à Venise qu’il s’est épanoui avec Canaletto, Bellotto et les frères Guardi. Les vedutistes travaillaient essentiellement pour de riches étrangers, surtout Anglais, qui effectuaient une sorte de voyage de fin d’études, « le Grand Tour », qui les conduisait en Italie. Ces précurseurs des touristes riches et cultivés, désiraient emporter en souvenir des vues précises de Rome ou de Venise d’où la nécessité de l’exactitude topographique et du petit format.
L'encyclopédie des Amis de la Forêt de Fontainebleau est en amélioration continue.
La fin de ce chapitre :
LA PEINTURE DE PAYSAGE !
sera publié très prochainement, après révision.
Les notes de travail,ci-dessous, serviront à l'établissement du texte définitif
Le « Siècle des Lumières » montre un grand intérêt pour la nature, le développement des « cabinets de curiosités » et l’Encyclopédie de Diderot et d’Alembert en témoignent. La sensibilité au paysage se manifeste, il était presque absent de la littérature classique (bien que Racine évoque « cette pâle clarté qui tombe des étoiles »). Jean-Jacques Rousseau l’y introduit dans la Nouvelle Héloïse, Les Rêveries du Promeneur solitaire ; les romantiques après lui en feront un thème récurrent. La hiérarchie des genres est moins contraignante mais, dans les Salons, l’accrochage met surtout en valeur les grands tableaux historiques, les paysages, souvent de petit format, ne sont pas vus.
Diderot (1713 – 1784), critique d’art, ose bousculer la hiérarchie des genres en portant aux nues Chardin (1699 – 1779), peintre de natures mortes et Joseph Vernet (1714 – 1789), paysagiste. Ce dernier a d’ailleurs la reconnaissance officielle de son talent puisque le roi Louis XV lui passe commande de la série des 24 « Ports de France » (14 « vedute » furent exécutées). Jean-Baptiste Oudry (1686 – 1756), peintre paysagiste et animalier, connaît lui aussi le succès : directeur de la manufacture de Beauvais et inspecteur de celle des Gobelins, il fournit les cartons de tapisseries des Chasses Royales.
Au musée des Augustins, son grand tableau Louis XV chassant le cerf dans la forêt de Saint-Germain appartient au genre du paysage, mais peut être aussi considéré comme un tableau d’histoire, un portrait de groupe et Oudry y a même glissé son autoportrait.
Porté par la vague romantique, le paysage devient un sujet à part entière, un des thèmes favoris des peintres du XIXe siècle. Les romantiques chargent le paysage de tous leurs états d’âme : mélancoliques, ils aiment les bords des lacs, les soleils couchants ; passionnés, exaltés, ils recherchent la nature sauvage, les sommets inviolés, la mer déchaînée, tous ces paysages considérés jusque là comme répulsifs. « Levez-vous, orages désirés » s’écrie Chateaubriand tandis que Madame Bovary « n’aime la mer qu’à cause de ses tempêtes ». Dans ses poèmes, dans ses dessins, Victor Hugo traduit l’amour des romantiques pour ces paysages extrêmes. D’autres écrivains, moins doués que lui pour les arts, se font parfois accompagner par un peintre : ainsi Alexandre Dumas voyage en Espagne avec Eugène Girard en 1846. Au musée des Augustins, un grand tableau témoigne de cette entrée de la nature sauvage, sous la forme de la haute montagne, dans le paysage. Il s’agit de la Cascade et le lac d’Oo (1835) de Louis-François Lejeune (1775 – 1848), ancien élève de Valenciennes, général et baron d’Empire. Pour donner plus de présence à la haute montagne, le peintre a choisi un format inhabituel pour un paysage, plus haut que large, ce qui le rapproche du portrait ou du tableau d’histoire.
Mais tous ces paysages ont été reconstitués en atelier. Un pas décisif sera franchi avec le développement des chemins de fer et l’invention du tube de peinture : les peintres peuvent aller sur le motif et travailler en plein air. Camille Corot (1796 – 1875) est un des premiers à l’avoir fait, bien qu’il ait aussi beaucoup retravaillé en atelier. Ses vues de la campagne romaine ensoleillée, ses paysages d’Ile de France baignés d’une douce lumière, font de lui, selon Delacroix, « le père du paysage moderne ». L’un des tableaux les plus représentatifs de ce poète du paysage est L’Etoile du matin au musée des Augustins.
C’est au milieu du XIXe siècle que la peinture de plein air prend vraiment son essor. La révolution industrielle, l’urbanisation croissante donnent la nostalgie des vertes campagnes. Les tableaux de l’Anglais Constable (1776 – 1837) La Charrette à foin – 1821, ses conférences sur l’art du paysage (English Landscape) influencent tous les paysagistes d’Europe. Ce sont aussi avec Constable, d’autres peintres anglais, Turner, Bonington, qui introduisent en France l’aquarelle (water-colours). Cette peinture à l’eau sur papier ou carton nécessite peu de préparatifs et sèche rapidement. Depuis la fin du XVIIIe siècle, elle est devenue pour les artistes anglais un véritable art national qui permet de traduire leur sensibilité particulière à la nature avec des couleurs légères et transparentes (les études de nuages de Constable, les impressions lumineuses de Turner…). Les peintres de Barbizon, Théodore Rousseau (1812 – 1867), Jean-François Millet (1814 – 1875), Narcisse Virgile Diaz de la Peña (1807– 1876), Charles-François Daubigny (1817 – 1878) fixent sur leur toile la forêt de Fontainebleau, les prairies, les troupeaux, les clairières avec le réalisme des Hollandais du Siècle d’Or. Daubigny se fait même aménager, en 1857, une barque-atelier avec laquelle il navigue sur l’Oise pour pouvoir mieux peindre le motif. Gustave Courbet (1819 – 1877), lui aussi, représente la nature telle qu’elle est car dit-il « la peinture est un art essentiellement concret et ne peut consister que dans la représentation des choses réelles et existantes. Le beau donné par la nature est supérieur à toutes les conventions de l’artiste ». Son Ruisseau du puits noir a la rudesse des paysages de sa Franche-Comté natale.
Pour Cézanne (1839-1906) comme pour les impressionnistes « aucune peinture réalisée en atelier n’atteindra jamais celles peintes à l’extérieur ». En réaction contre la vision instantanée des impressionnistes, le paysage chez lui n’est pas un phénomène lumineux mais une construction par la couleur : il traite la nature « par le cône, le cylindre et la sphère ».
Au début du XXe siècle, les Fauves habillent le paysage de couleurs vives et arbitraires, les Cubistes le décomposent et le font éclater, les Expressionnistes n’y voient que tensions et formes tourmentées… Aucun de ces mouvements n’est représenté dans les collections du musée des Augustins. Avec l’abstraction, le paysage disparaît, comme les autres sujets, pour laisser place à la peinture elle-même. Le paysage va-t-il être définitivement abandonné par les artistes au « peintres du dimanche » ? Il conquiert en fait d’autres territoires. Dans les années 60, se développe en Angleterre et aux Etats-Unis le « Land Art » ou « Earth Work », une démarche plus qu’un mouvement, qui pose le problème des rapports de l’homme et de l’environnement. Il s’agit tantôt d’intervenir sur le paysage, de le « marquer » comme Robert Smithson (Spiral Jetty – 1970) tantôt d’introduire des éléments végétaux, minéraux, dans les lieux culturels (musées…). Les photographes, les cinéastes, sont les nouveaux paysagistes de la fin du XXe siècle et du début du XXIe. Jean-Marc Bustamante découpe un rectangle dans un paysage sans en éliminer les éléments triviaux, disgracieux, poteaux électriques, silos, barbelés, H.L.M. etc., mais la couleur et le très grand format des images confèrent à ces paysages contemporains que nous ne voyons plus une certaine grandeur. Yann Artus-Bertrand se consacre aux paysages aériens dans « La Terre vue du ciel », il dresse un état des lieux de la planète… Mais le paysage de chevalet n’a pas disparu. Henri Cueco, après avoir adhéré aux avant-gardes des années 60 et 70, fait le portrait des arbres de son jardin, du chemin, de la clôture, paysages de petit format, pleins d’acuité et de tendresse (la Petite peinture). Pierre Buraglio compose ses paysages en assemblant des éléments très divers, peinture à l’huile, cadres tronqués, sérigraphies, avec une grande élégance et beaucoup de sensibilité.
« Lorsqu’on évoque aujourd’hui le paysage, on parle de perception individuelle et d’esthétique, mais aussi de représentation collective. Le paysage a un lien avec la nature, mais aussi avec la société. Il relève du monde de l’art mais également de la maîtrise du territoire, de l’économie, de la psychologie ou du politique. C’est le lieu de la rencontre avec l’autre à travers la pratique des hommes qui l’ont façonné… Le paysage, c’est notre mode d’accès à la nature le plus immédiat. C’est aussi une image de soi. »
Gilles A. Tiberghien, philosophe spécialiste du paysage. Propose recueillis par Emmanuel de Roux – Le Monde, 25 décembre 2001.
L’intérêt pour le paysage ne se dément pas. En 2001, la Réunion des Musées Nationaux a proposé le thème du paysage avec succès : 530 musées français et 81 musées européens ont organisé des expositions sur le sujet.
La technique picturale contemporaine du premier Barbizon
Tubes - toiles - chevalets
Perspective et profondeur par la couleur et le ton
Gravures - dessins - manuels pédagogique
Contexte social et contexte politique de la villégiature de Barbizon
Républicains - catholiques "sociaux" - humanisme dérivé des lumières
Millet et la tendance Lamenais
Karl Bormer et l'humanisme rhénan
Une opposition fondamentale
Il est l'auteur, peu avant son décès, du "Laudes Creaturarum" (Cantique des Créatures), connu aussi sous le nom de "Cantico di Frate Sole"(Cantique du soleil en français)
Exempli gratia : L'encyclopédie de Raban Maur (B.N.).
Exempli gratia : Le sarcophage dit de la "Chasse de Méléagre" (Toulouse.)
Augustin Berque : "Les raisons du paysage de la Chine antique aux environnements de synthèse"(Hazan - Paris 1995-).
